Il Est Important De Préparer Votre Esprit Et Votre Corps à La Peinture Expressive. Aine Divine Montre Comment Elle A Créé Ce Portrait à L’esprit Libre
Se préparer à peindre des portraits comme celui-ci d’Helena est beaucoup plus facile quand je suis actif.
Je prends le temps de rouler mes épaules et de secouer mes pieds. Au fur et à mesure que je prends conscience de ma respiration, elle ralentit. C’est mon expiration qui me maintient stable et me permet d’être pleinement attentif lorsque je suis en train d’observer. Je peins une aquarelle sur une feuille entière de parchemin impérial, en commençant par le début et en essayant de la garder vivante.
Si vous êtes droitier et que vous voulez peindre, c’est une bonne idée de regarder vers la gauche. Le plateau est vertical. Il est facile de traduire les informations que je viens de voir. Je suis encore assez pour observer et être présent.
En regardant le modèle, je ressens une curiosité et une anticipation croissantes. La lumière, la texture et la forme du chapeau, ainsi que l’aplomb de ce modèle captent mon attention et m’attirent.
Matériel Artistique
- COULEURS Aquarelle professionnelle Winsor & Newton en tubes : vert de vessie. Jaune de cadmium citron. Cramoisi de cadmium. Winsor Orange. Ocre jaune. Vandyke Brown. Bleu outremer.
- PINCEAUX Un ensemble de trois pinceaux Rosemary & Co que j’adore Série 222 synthétiques plats, 3 cm, 4 cm et 5 cm, respectivement. Trois pinceaux plats Crafters Choice de Royal & Langnickel sont mes préférés pour décoller.
- PALETTE Une palette de mélange en plastique de grande taille fabriquée par Hobby Craft ou GreatArt.
- Les plus gros pinceaux
- PAPIER J’utilise du papier Bockingford PAS de surface, 535 g/m² et 113 kg. Il est bien dimensionné et me permet de décoller facilement la couleur.
1. Identifiez Les Formes Principales
Je commence avec un pinceau plat de 5 cm, de la peinture diluée, puis je tire en diagonale. Les ombres du chapeau émergeront en trois mouvements. Je veux identifier les formes principales et créer une surface que j’ai hâte d’utiliser. Je laisse l’eau déplacer le pigment, mais laisse les marques lâches. J’aime regarder les ombres pour voir des motifs et les trouver. Pour vérifier les relations entre les parties, je prends du recul. Le vert de sève et le rouge de cadmium sont les couleurs de peau. Le bleu céruléen et l’orange Winsor composent le chapeau. Les cheveux sont Vandyke Brown ou Ultramarine Blue.
2 Laisser Couler L’eau
Ces beaux cheveux noirs aident à séparer le chapeau et le visage. Pour expliquer la tresse sombre d’Helena, le pinceau est posé à plat contre son dos. La peinture inonde alors l’espace humide. C’est comme ça que je le peins, puis l’eau le repeint. C’est la méthode que j’utilise le plus. L’eau s’écoule facilement et adoucit les marques. La couleur est délicatement appliquée sur le papier en plaçant le pinceau presque parallèlement à celui-ci.
3 Déterminer Les Principales Formes
Il faut 15 minutes pour parcourir les 15 premières minutes. J’aime donner un sens à ce que je vois et établir les principales formes et couleurs de manière libre et expressive. Quand je ressens le besoin d’un peu plus de liberté, j’éclabousse la peinture. Il court dans le même sens que la robe en dessous de l’empire, il n’est donc pas nécessaire de le rendre avec une grande clarté.
4 Ancrer Le Corps
L’ancrage du dos du corps m’aide à situer la figure dans l’espace. Les ténèbres dans d’autres zones améliorent la lumière à l’avant. Je laisse de l’espace pour mes mains et les indique avec quelques marques. La peau est un mélange de bleu céruléen et d’orange Winsor, tandis que le bord clair et les autres mains sont jaune citron ou orange Winsor. La robe est légèrement liftée par Alizarin Crimson.
5 Donnez Du Ton à Votre Visage
Après avoir laissé le visage seul pendant si longtemps, je suis maintenant prêt à revenir en arrière et à choisir plus de tons pour créer de l’ordre. J’utilise le pinceau plat 3 cm pour peindre la couleur du chapeau jusqu’au front et au bord de mon nez. Au fur et à mesure que je construis chaque couche, j’utilise les trois tailles. Cela aide à garder la peinture vivante, car j’utilise de grands coups de pinceau en plus de mouvements plus délibérés.
6 Faites Des Marques Décisives
Une remarque sur le chapeau. Je l’aime. C’est génial de peindre tout ce qui vous inspire. C’est une couleur et une texture difficiles à décrire à l’aquarelle. Je choisis le bleu céruléen avec l’orange Winsor comme bord avant et l’ocre jaune à l’arrière. J’ai regardé les formes et j’ai répondu intuitivement et légèrement avec des marques décisives. C’est assez pour moi. Il vaut mieux en utiliser moins. Au fur et à mesure que l’aquarelle sèche, la peinture devient plus claire. J’applique une peinture plus foncée à l’arrière, brisant les bords avec des éclaboussures.
7 Clarifier Les Fonctionnalités
Une fois que j’ai créé le corps, je peux ajouter plus de détails aux traits du visage. Les plus petites touches sur les yeux, le nez, la bouche et le menton aident à clarifier la position des traits et leur permettent de se rejoindre. C’est plus satisfaisant que de créer un œil détaillé puis de peindre le nez et la bouche séparément.
8 Ajoutez De La Couleur à Vos Yeux
Je trouve très satisfaisant de retrouver de la couleur dans les yeux. C’est un excellent moyen de faire ressortir les détails sans être trop serré. J’ai utilisé du bleu céruléen pour la paupière inférieure et du bleu outremer pour le blanc de mon œil. Ces bleus sont complétés par les oranges et les rouges qui l’entourent. L’assombrissement de la paupière supérieure est une excellente façon de décrire l’œil. L’élève est presque suspendu à cette ligne. Il est utile de décrire la partie supérieure de l’iris en utilisant un ton plus foncé.
9 Ajoutez Du Contraste à Votre Visage
La tresse a disparu. Il est placé avec Vandyke Brown, Ultramarine Blue et mélangé à une consistance presque d’encre. Les sombres à l’arrière de ma silhouette me permettent d’apporter les mêmes contrastes. Ainsi, les coins de la bouche, les sourcils, le dessous du nez et le dessous du menton deviennent plus foncés. Le haut de la casquette est inclus, mais je ne suis pas certain qu’il ait amélioré le portrait.
10 Quand Arrêter
Je fais un dernier mouvement, assombrissant les jambes qui s’étendent de la robe et les connectant avec les ténèbres à l’arrière. La citation de Paul Gardner dans The Artists Way de Julia Cameron est ma préférée : Une peinture ne se termine jamais, elle s’arrête juste à des endroits intéressants. Arrivé à un point intéressant, je décide de m’arrêter. Chaque instant a été merveilleux. Vous êtes encouragé à rechercher un modèle inspirant, avec ou sans coiffures folles et à l’essayer.
Cet article est paru dans le numéro de mai 2017 du magazine Artists & Illustrators . Obtenez le dernier magazine.
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Projet par Aine Divine www.ainedivinepaintings.co.uk En association avec Cass Art.
